Étonnamment, compte tenu de la réputation d’infilmable du roman « White Noise » de Don DeLillo, l’adaptation du scénariste-réalisateur Noah Baumbach est marquée par sa fidélité au texte source. Même si vous ne verrez pas “la grange la plus photographiée au monde”, peut-être l’artefact fictif le plus célèbre du chef-d’œuvre postmoderne de DeLillo en 1985, vous entendrez une grande partie des dialogues coupés et sophistiqués de DeLillo prononcés à haute voix.
Là où le film de Baumbach prend le plus de libertés, c’est au niveau du ton. Lorsque le réalisateur et monteur Matthew Hannam se sont réunis à New York, Londres et Los Angeles pour monter le film, ils ont apporté leur propre touche à la bascule existentielle du roman entre signal et bruit.
S’exprimant via Zoom, Baumbach dit que dans plusieurs scènes, y compris celles qui se déroulent dans la maison animée des protagonistes Jack et Babette Gladney, ils ont créé une cacophonie sonore grâce à des dialogues qui se chevauchent.
“Nous avons enregistré tout le monde, et tout le monde était sur des pistes séparées”, explique Baumbach. “Cela a créé des défis éditoriaux, car la cacophonie d’une prise à l’autre n’est jamais exactement la même.”
Hannam ajoute que “ces scènes ont été rétro-conçues, parce que nous voulions que le son conduise l’énergie de la scène. Vous ne pouviez pas nécessairement comprendre cela avec l’image, car tout le monde bouge partout. C’était vraiment un exercice pour nous de trouver les rythmes dans les performances des acteurs et de déterminer dans quelle mesure nous pouvons chevaucher et compliquer le son, puis faire en sorte que l’image y corresponde.
Les films de Baumbach, qui incluent “The Squid and the Whale” et “Frances Ha”, sont généralement bavards et intimes, tandis que le plus gros budget “White Noise” comprend des poursuites en voiture et un “événement toxique aéroporté”. Pour le cinéaste, cependant, les différents projets partagent une unité conceptuelle.
« Dans mes films précédents », dit Baumbach, « qui sont des scénarios originaux, j’ai toujours été attiré par des personnages qui ne veulent pas toujours dire exactement ce qu’ils disent, et le dialogue qui est une forme de communication mais aussi d’obscurcissement. C’est évidemment aussi une partie de l’histoire de DeLillo.
Les cinéastes ont encadré “White Noise” dans une structure claire en trois actes, plus une séquence de danse épilogue. Pour souligner cela, ils affichent les trois titres de chapitre de DeLillo sous forme de titres à l’écran.
Hannam dit : « Il y a une certaine friction que vous pouvez créer avec un titre de chapitre. Il y a vraiment trois parties : il y a l’image sortante, il y a le titre et il y a l’image entrante. Pour nous, en salle de montage, ce fut un réel plaisir de retrouver l’énergie qui affluait [to the title image] puis arrêtez-le complètement. Et puis ce qui vient ensuite est un produit de ces deux choses. Mon exemple préféré est lorsque nous montrons “The Airborne Toxic Event” sur l’image d’un quartier vierge. Comme, ‘Ces idiots ne savent pas ce qui s’en vient.’
Baumbach dit qu’il voulait rendre explicite la structure en trois actes parce que « je suis toujours intéressé par les films où, en raison de développements narratifs, émotionnels ou structurels, d’autres choses deviennent soudainement disponibles pour vous. Dans la partie 1, la caméra ne bouge vraiment qu’avec les personnages. C’est cette illusion que nous créons que nous contrôlons nos vies, et la caméra nous accompagne. Dans la partie 2, la caméra commence à bouger sans eux, et dans la partie 3, la caméra commence vraiment à se déplacer au-delà des personnages. Le son commence à se décomposer et devient encore plus ambiant, plus musical, moins littéral. Matt et moi avons toujours vu la séquence de danse comme un simple développement de cela.
“White Noise” se termine par une séquence de danse.
(Wilson Webb / Netflix)
En effet, le film est chorégraphié tout au long – du chaos contrôlé de la famille Gladney dans la cuisine, à une séquence où deux professeurs offrent des conférences en duel sur Elvis et Hitler, à la grâce musicale des breaks qui se dirigent vers le Collège – sur la colline.
Pour les cinéastes, les séquences les plus compliquées étaient les grandes scènes d’action. Baumbach dit que le plus grand défi « est que nous avons pratiquement tout fait. Nous avons vraiment mis la voiture dans le ruisseau, et ils fuient vraiment le camp des scouts, et les choses s’effondrent autour d’eux. L’enjeu est de faire les choses en toute sécurité, mais avec un réel dynamisme.
Comme Baumbach, Hannam était également nouveau dans les séquences d’action et il considérait sa fraîcheur comme un avantage. « Ce que j’ai appris sur ce projet », dit-il, « c’est qu’avec beaucoup de choses comme ça, il vaut mieux ne pas savoir comment le faire par cœur. Comme, ‘Faisons un n ° 6 sur celui-ci, Charlie.’ Au lieu de cela, c’est amusant de dire simplement “Imaginez si la caméra pouvait aller ici”.
“C’était une joie”, ajoute Hannam. “Dans le script, il est dit, ‘Jack commence à conduire la voiture comme un bateau.’ C’est assez amusant sur le plan éditorial de trouver comment faire en sorte que cela se sente ainsi.
Pour la séquence de danse de supermarché culminante du film, sur une nouvelle chanson de LCD Soundsystem, Baumbach a voulu donner l’impression que “le film s’ouvre en quelque sorte à la fin”.
Hannam dit que la séquence est cruciale pour la vision globale des cinéastes. “Noah et moi avons toujours, toujours parlé de la façon dont l’autre version de ce film est une critique sévère, et nous avons toujours voulu célébrer. Dès que vous acceptez la mort et que vous arrêtez d’essayer de prendre une pilule pour faire disparaître la peur, vous pouvez danser un peu.
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