Pendant près de six décennies, le New York Film Festival a offert un aperçu de l’avenir du cinéma. Cela a certainement été vrai cette année, avec les salles de projection du Lincoln Center peuplées et une saison chargée de diffusion en continu et de sorties en salles à venir. Pendant deux semaines d’automne – la 59e édition du festival se déroule jusqu’à dimanche – les cinéphiles new-yorkais ont droit à une série d’avant-premières, des premières chances de voir des films qui feront leur chemin dans le monde au cours des prochains mois.
Une partie de la fonction de l’événement est de susciter le bouche à oreille et la couverture médiatique, de taquiner la course aux Oscars et de handicaper le box-office d’art et essai, et de voir ce que les gens sont enclins à discuter. Seront-ce les provocations sordides du « Titane » de Julia Ducournau ? Le psychodrame occidental grand écran de « The Power of the Dog » de Jane Campion ? L’intimité douloureuse et discrète du « C’mon C’mon » de Mike Mills ? Il y a eu quelque chose de rassurant dans le rituel de ces questions et dans les conversations, heureusement sans rapport avec les pandémies ou la politique, qu’elles promettent.
Mais l’excitation de la nouveauté s’est teintée de nostalgie. Hormis les masques obligatoires et les justificatifs de vaccination, ce festival new-yorkais ressemblait beaucoup aux précédents. Le mélange d’auteurs préférés et de nouveaux venus était familier, et pas dans le mauvais sens. Nous nous attendons à voir Todd Haynes, Wes Anderson, Bruno Dumont et Hong Sangsoo dans ce cadre, et aussi à tomber sur des découvertes et des réévaluations. Je ne savais pas à quoi m’attendre de « Que voit-on quand on regarde le ciel ? », du réalisateur géorgien Alexandre Koberidze. Après l’avoir vu – une romance lente et semi-magique avec une voix off ruminante et des plans tranquilles de la ville de Kutaisi – je ne sais toujours pas quoi en penser. C’est aussi une expérience de festival par excellence.
Après avoir regardé la majeure partie de l’ardoise principale et une poignée d’autres offres – et avoir fait face au regret inévitable de ce que j’ai manqué – mon principal point à retenir est un sentiment de confort. C’est inhabituel, et dans le passé, j’ai peut-être vu cela comme une forme de déception. Ce que j’ai tendance à rechercher, ce en quoi je crois jusqu’au dogmatisme, c’est un art qui est provocateur, difficile, abrasif, choquant. J’ai vu quelques tentatives, dont “Titane”, qui malgré ses couleurs vives, sa violence extrême et ses agressions sexuelles n’ont pas tout à fait réussi pour moi, et “Bad Luck Banging or Loony Porn” de Radu Jude, qui l’a beaucoup fait. .
Jude a tourné son film dans les rues de Bucarest en 2020, où les gens sont masqués, anxieux et grossiers. Comme ce cadre, l’histoire – d’un enseignant pris dans un scandale sexuel de guerre des cultures – est désagréablement contemporaine, et l’ambiance générale de l’image est rude et dyspeptique. C’est le contraire de l’évasion, et même si je ne peux pas dire que « Bad Luck Banging » est très amusant, il a un pouvoir purgatif au présent. C’est comme ça qu’on vit, et c’est affreux.
Quelle est l’alternative ? Ou, plus précisément, y a-t-il une sorte d’allégement esthétique de la réalité actuelle qui n’équivaut pas à une négation de celle-ci ? Une réponse qui semble plaire à de nombreux cinéastes en ce moment est de traiter le médium comme un véhicule de la mémoire, d’utiliser ses outils pour construire un enregistrement du passé avec de la place pour ses ambiguïtés, ses espaces vides et ses perspectives conflictuelles.
Le geste le plus radical et le plus manifeste de ce genre vient, à juste titre, dans “Memoria”, du réalisateur thaïlandais Apichatpong Weerasethakul. Comme ses précédents longs métrages (dont « Uncle Boonmee qui peut se rappeler ses vies passées »), celui-ci est onirique et insaisissable, moins une histoire qu’une succession d’humeurs et d’énigmes existentielles. Tilda Swinton joue une Anglaise vivant en Colombie qui commence à entendre un bruit fort inaudible pour quiconque. Elle demande à un jeune ingénieur du son de l’aider à synthétiser ce qu’elle entend, ce qui n’est pas le seul phénomène étrange qu’elle rencontre.
Dans une petite ville dans les montagnes, elle rencontre un homme du même nom que l’ingénieur qui prétend se souvenir de tout ce qui lui est arrivé. Non seulement cela, il peut décoder des « souvenirs » d’événements passés stockés dans des roches et d’autres objets inanimés. Sa conscience est tellement saturée, dit-il, qu’il n’a jamais quitté sa ville natale et n’a jamais regardé de films ou de télévision. Sa nouvelle connaissance est surprise et lui dit une partie de ce qu’il a manqué. Des sports. Nouvelles. Jeux télévisés.
Cela n’a pas l’air très convaincant. Que ferait-il de ces images ? Mais je ne pense pas que “Memoria” rejette tant sa propre technologie qu’elle rappelle au public à quel point la réalité est plus vaste que nos tentatives pour la représenter. Le film est époustouflant par son ambition et son étrangeté, mais aussi résolument modeste, comme s’il s’agissait d’une de ces pierres bourrées d’informations que l’on apprendra peut-être un jour à débloquer.
Les films les plus mémorables sur la mémoire au festival se sont sentis de la même manière (mais aussi spécifiquement, de manière unique) ouverts, peu concluants. “The Souvenir Part II” de Joanna Hogg, comme “Memoria”, évoque la mémoire dans son titre, et regarde à travers un double rétroviseur. Julie (Honor Swinton Byrne), étudiante en cinéma à Londres dans les années 1980, se remet de la mort de son amant (Tom Burke, vu dans « The Souvenir ») en faisant de leur relation le sujet de son projet de thèse. Ce film s’appelle également “The Souvenir”, ce qui fait de “Part II” une sorte de pseudo-documentaire de fabrication ainsi qu’un mémoire, une histoire de passage à l’âge adulte et une capsule temporelle des dernières années Thatcher.
Les « Mères parallèles » de Pedro Almodóvar avancent et reculent, avec l’amour et la politique en tête. Il suit la vie entrelacée de ses deux personnages principaux, des femmes (interprétées par Milena Smit et Penélope Cruz) qui accouchent dans le même hôpital, sur une période de plusieurs années. Leur destin se déroule à l’ombre, parfois imperceptible, parfois inévitable, de la guerre civile espagnole et de la dictature qui s’ensuit. L’intersection du traumatisme historique et du destin individuel n’est pas un thème rare dans le cinéma contemporain, mais Almodóvar le traite avec une élégance caractéristique et un humanisme profondément mélancolique.
Almodóvar, l’avatar de l’éveil post-franquiste de la jeunesse espagnole, a maintenant plus de 70 ans. Son film clôturera le festival ce week-end, mettant en avant un triptyque d’œuvres majeures de sa cohorte générationnelle. Joel Coen, né en 1954, et Jane Campion, née en 1957, sont tous deux entrés en scène, comme Almodóvar, dans les années 1980, et revendiquent tous deux leur ancienneté en s’élançant dans de nouvelles directions : Coen avec son « rapide, émouvant ». La tragédie de Macbeth” (son premier film sans son frère Ethan) et Campion avec le tragique “Power of the Dog”. Ces films ressemblent à des retours en arrière – « Macbeth » au Shakespeare en noir et blanc d’Orson Welles et Laurence Olivier ; « Puissance » pour les épopées tentaculaires de Technicolor comme « Géant » – mais elles sont aussi des signes de vie. Et des présages, peut-être, de l’avenir.
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