Il y a une scène dans « The Lost Daughter », le premier film sombre et déchirant de Maggie Gyllenhaal en tant que réalisatrice, qui a touché une corde sensible chez moi et peut-être quelques autres qui l’ont vue ici au Telluride Film Festival. Leda (Olivia Colman), une professeure de littérature en vacances dans les îles grecques, est au cinéma un soir où plusieurs jeunes hommes font irruption dans le théâtre, riant et se bousculant et noyant entièrement le film. Après avoir essayé en vain de les faire se calmer, Leda se lève et leur crie dessus à tue-tête – si je me souviens bien, elle les menace tous de castration – mais n’obtient en retour que des railleries et des insultes.
Même avant que la perturbation ne se produise, Leda est déjà assez secouée, pour des raisons qui sont progressivement dévoilées avec toute la précision émotionnelle que vous attendez de Colman et une maîtrise surprenante et nerveuse du médium de Gyllenhaal. Adaptant un roman de 2008 d’Elena Ferrante, elle glisse plusieurs histoires dans l’étalement occupé mais intensément concentré du film : une escapade européenne de l’enfer ; un drame chronophage d’adultère et d’abandon ; un portrait sous la peau d’une maternité désespérée et frustrée à placer à côté de “Nous devons parler de Kevin”. La réalisation de “The Lost Daughter” – qui présente également des performances pointues de Jessie Buckley, Dakota Johnson et Dagmara Dominczyk – consiste à adopter des impulsions et des comportements que Gyllenhaal a décrits lors d’une séance de questions-réponses après la projection comme “aberrants” (ou du moins perçus comme tels ) et d’exposer leur cœur de vérité émotionnelle bien trop relatable.
Ce qui nous ramène à cette explosion au théâtre – pas au comportement aberrant dont Gyllenhaal parlait spécifiquement, mais à un moment intensément relatable du point de vue du festivalier. L’un des plaisirs de voir un film ici dans les environs raréfiés de Telluride, qui place l’art du cinéma sur un piédestal à 8 750 pieds au-dessus du niveau de la mer, est le respect sans faille du public pour l’expérience cinématographique théâtrale – un respect que le festival a fait central à sa mission admirable et quelque peu auto-admiratrice. Vous ne trouverez pas trop de gens qui envoient des SMS (ou se bousculent) pendant les projections ici, et les seules menaces de castration ont tendance à émaner des films eux-mêmes. Parfois, ce ne sont pas que des menaces : je pense à une scène d’un autre moment fort du festival, la saga de la frontière des années 1920 de Jane Campion « The Power of the Dog », dans laquelle Benedict Cumberbatch dépouille graphiquement un taureau de ses testicules.
Benedict Cumberbatch dans le film “Le pouvoir du chien”.
(Kirsty Griffin/Netflix)
Plus sur ce film dans un instant. Au Telluride 2021 mandaté par les masques et les vaccins, un rebond bienvenu pour le festival après l’édition annulée par COVID de l’année dernière, les projections ont été marquées non seulement par le respect mais aussi par la gratitude – une nouvelle appréciation des rituels publics que nous tenions autrefois pour acquis et peuvent ne profitez plus jamais dans la même mesure. Telluride, comme d’autres festivals de Cannes et Venise à Sundance et Toronto, figure invariablement dans un débat sans fin sur les mérites esthétiques supérieurs et la viabilité commerciale insoutenable du cinéma en salle dans notre réalité dominée par le streaming et dévastée par la pandémie. Assister à ces festivals, c’est avoir le privilège de voir des films dans des conditions optimales et de pouvoir leur accorder toute votre attention – et aussi déplorer le fait que la plupart des gens devront probablement se contenter d’une expérience de visionnage à domicile inférieure.
C’est presque sûr d’être vrai pour “The Lost Daughter” et “The Power of the Dog”, qui sont tous deux publiés par Netflix. Si le film de Gyllenhaal est en quelque sorte un hymne aux femmes passionnantes et indisciplinées, alors le retour bienvenu de Campion au cinéma (cela fait 12 ans depuis “Bright Star”) est une corde enroulée serrée de répression masculine noueuse. Adapté du roman de Thomas Savage de 1967, il met en vedette un Cumberbatch effrayant et superbement nuancé dans le rôle d’un éleveur mal élevé des années 1920 qui méprise vicieusement la nouvelle épouse de son frère (une fragile et déchirante Kirsten Dunst) et son fils (Kodi Smit-McPhee, calmement étonnant) , et dont l’animosité se transforme rapidement en guerre émotionnelle à part entière. Décollant progressivement chaque couche psychologique avec une cruauté qui n’exclut pas la compassion, “The Power of the Dog” se déroule dans le Montana mais a été (magnifiquement) tourné dans la Nouvelle-Zélande natale de Campion – un exploit pas inhabituel de tour de passe-passe cinématographique. main qui améliore sournoisement le thème de l’histoire sur la tromperie même des surfaces les plus accidentées.
La splendeur picturale est également exposée dans un autre titre de Netflix, “La main de Dieu”, un joli drame semi-autobiographique sur le passage à l’âge adulte du réalisateur italien Paolo Sorrentino (“La grande beauté”). Dans cette œuvre tragi-comique émouvante, Sorrentino rend un hommage affectueux aux lieux et aux personnes qui ont façonné sa jeunesse : sa ville natale de Naples ; sa famille, en particulier ses parents ; et, bien sûr, Fellini, une influence reconnue à la fois directement et tonalement. La virtuosité stylistique caractéristique de Sorrentino, exposée dans des films comme “Il Divo” et “Youth” et dans “The Young Pope” de HBO, se sent bien maîtrisée ici; il y a encore une grande beauté, mais d’une nature plus modeste et personnelle. La surface la plus brillante que nous voyons appartient au golfe de Naples, une image récurrente chatoyante que je suis heureux d’avoir vue sur le plus grand écran possible.
Une scène du film “La main de Dieu”.
(Netflix)
Conformément à la pratique de la saison des récompenses passée, Netflix prévoit au moins une certaine exposition théâtrale pour ces titres et d’autres en avant-première en festival. La triste vérité est que même les films ici qui prévoient des sorties en salles relativement robustes – comme “Belfast”, le portrait en noir et blanc bien reçu de Kenneth Branagh de son enfance en Irlande du Nord, que Focus Features sortira le 12 novembre – mai bien attirer beaucoup de leurs yeux sur les plateformes de streaming ou de VOD, y compris de certains membres de l’académie du cinéma.
Il y aura des exceptions, bien sûr. Chaque année, quelques films contrecarrent la tendance à la baisse et deviennent des succès théâtraux soutenus, et bien que je sois nul pour faire des prédictions, je ne serais pas surpris si l’un d’eux était “Julia”, l’ode affectueuse de Julie Cohen et Betsy West à la vie et l’héritage culinaire de Julia Child, que Sony Pictures Classics sortira le 5 novembre en salles. Compagnon naturel de “RBG”, leur portrait antérieur d’une sensation pop-culturelle et pionnière féministe, “Julia” est un plat bio simple mais délicieux, servi avec suffisamment de gastro-porno au beurre pour être considéré comme le plus satisfaisant de l’année en termes d’émulsion. documentaire.
“Fauci”, le profil solide de John Hoffman et Janet Tobias du spécialiste des maladies infectieuses le plus connu des États-Unis, que National Geographic sortira en salles vendredi, avant un arc en octobre sur Disney +, adopte une vision similaire mais à juste titre flatteuse de son sujet. Reste à savoir si le public surmontera sa fatigue pandémique et se présentera, mais les passages les plus émouvants et les moins hagiographiques du film se concentrent sur les années que le Dr Anthony Fauci a passées à se prendre la tête et finalement à unir ses forces avec des militants luttant contre l’épidémie de sida – une période aussi crucial pour son héritage de service public comme son travail COVID-19 bien documenté.
Une image du documentaire « Procession ».
(Cinetic Media)
Que ce soit dans les salles de cinéma ou sur les écrans de télévision à domicile, ces documentaires trouveront leur public. Il en sera de même pour l’un des plus grands succès non-fictionnels du festival, “The Rescue”, le dernier d’Elizabeth Chai Vasarhelyi et Jimmy Chin (du film primé aux Oscars “Free Solo”), sur la mission audacieuse de 2018 pour sauver la vie de ceux qui sont piégés dans un grotte dans le nord de la Thaïlande. Espérons qu’une attention similaire attend certains des documentaires présentés en avant-première à Telluride qui, au moment d’écrire ces lignes, attendent toujours leur distribution. Je pense en particulier à « Bitterbrush », le regard captivant et immersif d’Emelie Mahdavian sur deux jeunes femmes rassemblant du bétail dans certaines des régions les plus reculées de l’Ouest américain, et « Procession », le film typiquement atypique de Robert Greene sur six hommes racontant leur enfance abus sexuels commis par des prêtres catholiques.
Si vous avez vu les documentaires antérieurs de Greene “Kate Plays Christine” et “Bisbee ’17”, son audace conceptuelle et ses méthodes de collaboration uniques vous sembleront non seulement familières mais tout à fait appropriées ici. Les survivants que nous rencontrons ne se contentent pas de partager leurs terribles histoires ; ils écrivent, réalisent et apparaissent même dans des reconstitutions filmées d’eux, affirmant leur pouvoir et leur autorité sur des souvenirs qu’ils ont passé une grande partie de leur vie à essayer de supprimer. Greene a toujours été fasciné par les dimensions esthétiques et éthiques du jeu de rôle, en particulier dans la commémoration de la tragédie, mais « Procession » a une franchise particulièrement tonifiante, un refus de distancer ou de sur-intellectualiser la douleur. Ce qui commence comme un exercice anxieux et parfois gênant de thérapie par la performance évolue progressivement vers une vision cumulativement bouleversante de l’amitié masculine et de la force face au mal.
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