TELLURIDE, Colorado —
Lorsque Cate Blanchett est montée sur scène samedi soir pour son hommage au Telluride Film Festival, juste après la projection de son nouveau film étonnant, “Tár”, le public a dû rire un peu. La plupart des publics qui obtiennent une séance de questions-réponses avec Blanchett après la projection – et il y en aura probablement quelques-uns dans les mois à venir – se retrouveront dans une position similaire. Dans “Tár”, Blanchett joue un chef d’orchestre classique de renommée mondiale nommé Lydia Tár, et l’une de ses premières scènes est une longue conversation captivante et révélatrice avec l’écrivain new-yorkais Adam Gopnik (jouant lui-même), tenue devant un public en direct. .
C’est une séquence instantanément captivante, intrépide dans sa rigueur musicale et intellectuelle, qui nous plonge dans les rouages de l’esprit formidable de Lydia. Nous buvons dans son élégance en costume noir et sentons sa prudence initiale, bien que toute anxiété se dissipe rapidement lorsque Lydia, aussi assurée qu’elle est conférencière et chef d’orchestre, commence à parler de son art, de son amour pour Mahler et Bernstein et de ses expériences. étudier, jouer et diriger de la musique dans le monde entier. Ses synapses s’embrasent comme des fous et ses mains prennent une vie inventive alors qu’elle décrit son rôle non seulement en gardant mais créer le temps, le modelant et le sculptant avec un niveau d’imagination que le public ne détectera que comme un sublime morceau de musique.
“Tár”, le troisième et meilleur long métrage réalisé par Todd Field (“In the Bedroom”, “Little Children”), garde son temps magnifiquement. Le film dure deux heures et 38 minutes fascinantes; Je ne voulais pas que ça se termine. C’est l’histoire d’un monstre magnifique et de sa chute très publique, mais ce qui rend cette chute si convaincante, c’est qu’elle se produit si progressivement et jaillit de racines si discrètement intimes. L’histoire se déroule en mouvements soigneusement orchestrés, pour ainsi dire, et chacun de ces mouvements nous entraîne un peu plus profondément dans le coin très influent et rigidement hiérarchique de Lydia dans le monde de la musique.
Ce monde englobe New York, où elle enseigne à Juilliard, et Berlin, où elle est chef d’orchestre de l’Orchestre philharmonique de Berlin. À Berlin aussi, elle s’installe en quelque sorte avec sa compagne, Sharon (Nina Hoss), elle-même violoniste accomplie, et leur jeune fille. “Tár” est peut-être une œuvre de fiction, mais tout sonne méticuleusement vrai, des musiciens impeccablement castés jouant dans l’orchestre de Lydia aux passions illicites et aux rivalités cachées qu’elle seule a le pouvoir et la cruauté de nourrir.
Cate Blanchett dans « Tar ».
(Caractéristiques principales)
C’est le premier film de Field en 16 ans (et son premier scénario original, après deux adaptations), et il déchaîne ce qui ressemble à près d’une décennie d’observations refoulées et pointues sur la politique du monde de l’art, les tensions du milieu universitaire, le débat sur l’annulation de la culture, les calculs de #MeToo et, sur une note non sans rapport, l’ascendant des femmes dans les espaces créatifs et professionnels longtemps dominés par les hommes blancs. Et dans cet espace, Lydia refuse – avec arrogance, exaspération et parfois héroïque – de se plier à ce qu’elle considère comme les orthodoxies libérales dominantes.
Saluée comme la première femme à diriger l’un des plus grands orchestres du monde, elle rejette néanmoins l’inégalité des sexes comme un obstacle important à son succès. Et dans l’une des scènes les plus froidement électrisantes du film, elle réprimande avec force un étudiant du BIPOC qui conteste Bach et d’autres compositeurs masculins blancs acclamés, défendant le canon avec une férocité réactionnaire qui est néanmoins ancrée dans une profonde compréhension de la musique.
Cette scène et d’autres soulèvent la question toujours familière de savoir si l’on peut ou doit séparer l’art de l’artiste – une question qui revêt une importance particulière pour Lydia, dont l’habitude de coucher avec ses élèves devient un secret de plus en plus secret.
Je le dis comme le plus grand compliment quand je dis que Lydia Tár elle-même ne s’extirpe pas si facilement de l’artiste qui la joue, dans le sens – et seulement dans le sens – que nous regardons un génie en incarner un autre.
Au risque de se livrer à des métaphores plus musicales, le travail de Blanchett se sent ici véritablement, à couper le souffle symphonique dans son arrangement de composants. Pour jouer Lydia, Blanchett a appris à parler allemand, à jouer du piano et à diriger de la musique, mais l’éclat de son travail dépasse les conventions de l’étude, de la pratique et de la recherche. Il faut un acteur qui peut sembler, comme le fait Blanchett, à la fois un orchestrateur doué et un instrument finement accordé dans le même cas.
“Tár”, que Focus Features sortira le 7 octobre dans les salles, est arrivé à Telluride sur une vague de critiques élogieuses qui a commencé la semaine dernière au Festival international du film de Venise, où la performance de Blanchett a été immédiatement désignée comme l’un des premiers favoris pour un Oscar. Les deux festivals, ainsi que le prochain Festival international du film de Toronto, sont depuis longtemps des rampes de lancement fiables et convoitées pour de futures performances primées. Telluride lui-même a frappé quelques récents lauréats des Oscars, dont Gary Oldman (“Darkest Hour”), Renée Zellweger (“Judy”) et – parlant de séparer l’art de l’artiste – Will Smith (“King Richard”).
Comme on pouvait s’y attendre, la machine à écrire des Oscars battait son plein après la première mondiale à Telluride de “Empire of Light”, un raté bien joué du réalisateur Sam Mendes (“1917”, “American Beauty”). La plupart de l’excitation a tourbillonné autour de la très applaudie Olivia Colman pour sa performance en tant que Hilary, une femme solitaire et dépressive qui travaille comme directrice de service dans une salle de cinéma de la ville balnéaire anglaise de Margate. L’histoire s’étend sur le début des années 1980 – “The Blues Brothers”, “Stir Crazy”, “Being There”, “Chariots of Fire” et “Raging Bull” orneront tous le chapiteau à un moment donné – et se concentre sur la romance d’Hilary avec un nouveau employé, Stephen (un excellent Michael Ward). Leur relation est présentée, facilement, comme un lien entre deux individus qui sont tous deux en décalage avec leur environnement : Hilary pour des raisons qui deviendront bientôt claires, et Stephen parce que c’est un homme noir vivant dans une ville, un pays et un moment profondément racistes.
Micheal Ward et Olivia Colman dans le film “Empire of Light”.
(Images de projecteur)
Les deux rôles principaux sont soutenus par un casting de soutien qui comprend Colin Firth, Tanya Moodie, Tom Brooke et, en tant que projectionniste vétéran du théâtre, un très bon Toby Jones. Mais ils sont tous abandonnés à des degrés divers par un scénario dont de nombreuses parties se rejoignent comme l’huile et l’eau et le soda de concession. Il s’agit d’une histoire de traumatisme mental refoulé et de violence raciste qui se répand au grand jour, des problèmes que Mendes a soigneusement balayés sous le tapis d’une grandiose lettre d’amour au cinéma, ainsi qu’aux salles de cinéma. Le réalisateur, qui fait ses débuts en tant que scénariste solo, a décrit ce film comme son œuvre la plus personnelle, celle qui est née de la pandémie et du désespoir qui l’accompagne de ne pas pouvoir se réunir avec d’autres dans les espaces publics, théâtres très inclus.
Je suis aussi sensible que quiconque à la nostalgie sentimentale de ma forme d’art préférée et de ses lieux publics en voie de disparition. (“Empire of Light”, une sortie de Searchlight Pictures, sortira en salles le 9 décembre.) Cela dit, mon propre goût va vers les films qui ne traitent pas la violence anti-noire comme un véhicule pour la délivrance émotionnelle et psychologique d’une femme blanche – une tournure narrative qui est franchement une insulte grossière aux deux personnages. Et bien que Colman épluche les couches de chagrin et de rage d’Hilary avec toute la férocité et la subtilité que l’on attend d’un acteur de son calibre, même elle ne peut pas vendre le pivot joyeusement rayonnant qui lui est demandé dans une interminable séquence dans laquelle “Empire of Light » devient essentiellement l’équivalent des années 80 de la publicité AMC de Nicole Kidman.
C’est le genre de moment qui se sent artificiel pour flatter l’amour d’Hollywood pour lui-même, et c’est un rappel que nous n’avons pas, en fait, besoin de lettres d’amour plus ostentatoires pour les films. Un bon film qui respecte l’intelligence du public est une lettre d’amour suffisante.
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