Entièrement tiré des avoirs de Phillips et des cadeaux promis, “Pour, Tear, Carve” met en lumière de nouvelles acquisitions, dont certaines sont entrées dans la collection à la suite de spectacles récents. Pourtant, il comprend quelques pièces que la galerie possède depuis longtemps.
La plus ancienne est “Moonlit Cove” d’Albert Pinkham Ryder, un paysage sombre de 1880 que le musée a acquis en 1924. C’est l’une des cinq peintures à l’huile de l’exposition de 74 objets, et a été incluse parce que la technique non conventionnelle de Ryder a entraîné une fissuration importante du pigment. . La table ronde de Georges Braque de 1929, une nature morte cubiste, est aussi une huile, mais dans laquelle le sable était distinctement travaillé dans la peinture.
Parmi les acquisitions les plus récentes, il y en a plusieurs qui auraient pu s’intégrer confortablement dans la collection il y a des décennies, bien que la plupart soient de millésime récent. Il s’agit notamment de trois artistes féminines locales qui extrapolent la peinture à la sculpture : Mimi Herbert, Jae Ko et la regrettée Anne Truitt. Le “Butterfly” de Herbert en 2021 est une plaque d’acrylique jaune, élégamment pliée comme une couverture, tandis que le “Moon Wind Object” de Truitt vers 1969 est un pylône rectangulaire en bois, peint en blanc avec une bande de jaune extrêmement pâle qui s’étend autour d’un coin. Beaucoup plus lumineuse est la pièce sans titre de Ko de 2012, un grand rouleau de papier collé dans une torsion permanente et rendu rouge avec de l’encre calligraphique de sorte qu’il suggère le coup de pinceau d’un artiste traditionnel d’Asie de l’Est.
Moins sculptural, mais avec une présence physique robuste, est “Reykjavik” de 1991 de Richard Serra, deux étendues de pigment noir épais sur papier, appliquées par Paintstik – un marqueur semblable à un crayon. La pièce fait référence à l’installation par le sculpteur de neuf piliers en Islande. Ses lourdes formes sombres contrastent avec la délicatesse de “Hold Nothing” d’A. Balasubramaniam en 2012, une spirale 3D murale en fibre de verre et résine peintes en blanc.
Parmi les ingrédients les plus inhabituels figurent les centaines de minuscules sachets de moutarde en plastique provenant d’un restaurant chinois de Mount Pleasant que Dan Steinhilber a disposés en une grille bien rangée il y a 20 ans. Sont également exposées des barres de cire d’abeille empilées aux bords rugueux destinées à reconstituer les murs de la petite pièce recouverte de cire de Wolfgang Laib, installée au Phillips il y a dix ans. Cette pile présente les éléments utilisés pour refaire une œuvre d’art en tant qu’art en soi.
Là où la détérioration fait partie intégrante des processus de Steinhilber et de Laib, « Scramble » de Leo Villareal en 2011 offre une existence potentiellement infinie. La construction high-tech des lumières LED traduit la peinture de champ de couleur hard-edge en motifs de lumière en constante mutation contrôlés par le logiciel personnalisé de l’artiste. Villareal est un New-Yorkais, mais il est représenté par la galerie Connersmith de DC, et “Scramble” a été inspiré par la conversation de Villareal avec le peintre Frank Stella au Phillips l’année où la pièce enluminée a été réalisée.
Trois artistes qui utilisent des matériaux fragiles — Benny Andrews, Nekisha Durrett et Marta Pérez Garcia — sont également liés par un autre attribut commun : le commentaire social. “Trail of Tears” d’Andrews en 2005 est une peinture épique qui incorpore du tissu et de la ficelle dans sa représentation de la migration forcée des tribus amérindiennes du sud-est des États-Unis vers les Grandes Plaines au début du 19e siècle. «Eleanor Bumpurs 2020-21 de Durrett tuée par la police le 29 octobre 1984 | Age 66 ”fait partie d’une série dans laquelle l’artiste a frappé dans des feuilles de magnolia robustes les noms de femmes noires décédées lors de rencontres avec les forces de l’ordre. “Nameless 7” de Pérez Garcia en 2022 est un torse féminin, fait de papier façonné à la main, qui représente la violence contre les femmes. Il provient d’une exposition que l’artiste a montée au musée l’année dernière.
La plupart de « Pour, Tear, Carve » emporte le Phillips loin des œuvres impressionnistes et coloristes pour lesquelles il est le plus connu. Cela ne signifie pas pour autant que la nature essentielle du musée a été perdue. Les temps et les attentes ont changé, mais l’esprit aventureux perdure.
Verser, déchirer, tailler : les possibilités matérielles de la collection
Collection Phillips, 1600 21st St. NW. 202-387-2151. phillipscollection.org.
Admission: 16 $ ; 10 $ pour les étudiants, les enseignants et le personnel militaire ; 12 $ pour les aînés; gratuit pour les membres et les moins de 18 ans. Billets à l’avance et à heure fixe requis, sauf pour les membres.
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